THE SEED

THE SEED, grupo formado en Madrid en 2006, llega con ganas de dar guerra con su primer CD, ‘FROM NOWHERE TO NO ONE’. Las cuatro apisonadoras del Metal ante nosotros: Koko (cantante y guitarrista), Sergio (bajista), Samuel (guitarrista) y Acaymo (batería).

por Ángel Sánchez & Mónica Berheide

¿Por qué llamasteis al grupo así? (The Seed es “la semilla”) Koko: -Todo empezó porque en un libro leímos que los mayas creían que cuando alguien se muere, al enterrar su cuerpo, de éste nace un árbol. La idea nos gustó y empezamos a divagar un poco sobre el asunto y de ahí salió un poco la letra del tema ‘Dead seed’, que habla sobre nosotros, como grupo, y de lo que pretendemos hacer en nuestra vida musical para crear esa semilla que dé paso a un árbol acojonante, ja, ja…

Llega un extraterrestre a La Tierra y tenéis que explicarle qué tipo de música hace The Seed y qué contiene el disco ‘From nowhere to no one’. ¿Cómo lo haríais? K: -Lo estamparía contra un muro de hormigón y le diría: “Tronco, esto es lo que se siente cuando se escucha a The Seed en disco o en directo, pero quitándole la parte dolorosa”, ja, ja…

Sergio: -Ja, ja… Le diría que nuestro disco contiene música de destrucción masiva y que el estilo al que pertenece está marcado por la rabia que llevamos dentro.

¿No creéis que el título del disco desprende pesimismo? (Traducido, algo así como “de la nada a nadie”). K: -En realidad es algo irónico. La cosa es que llevamos tocando este estilo de música muchos años y siempre nos han dicho cosas como: “Mola, pero esto no va a ninguna parte”. Entonces la intención es un poco decir: “Aquí estamos y vamos a destrozarlo todo y nos importa una mierda que pienses que esta música no tiene futuro.”

Sam: -Aunque se titulara “Desde aquí para todos”, sonaría igual y daría la misma caña, así que no es más que una simple ironía…

Acaymo: -Hacemos el Metal que nos va, y aunque vaya, llegue, o no, a algún sitio, poco nos importa. De una forma u otra va a llegar y a reventar muchos tímpanos.

Sergio nos confiesa que el tema que más le gusta tocar en directo de los que incluye el disco es: -‘By my own’ porque me transmite una agresividad particular y la composición de bajo es de las más complejas del disco. Otro tema que me gusta es ‘Master of men’ porque es pura adrenalina, siento cómo se acelera la sangre al tocarla. Pero si me pongo a pensar en el resto, de todos destacaría algo.

A: -Todas son muy buenas, algunas son geniales en los altavoces y otras son lo mejor del directo. De cualquier modo, ‘Don’t leave the yellow path’ me parece un mensaje directo, simple y contundente que a nadie con sangre puede dejar frío.

En la canción ‘Antihuman brigade’ colabora Dave Rotten (Avulsed), ¿cómo surgió? K: -Este tema es de los más brutales del disco y me acuerdo que, al escuchar las primeras mezclas, flipamos con la contundencia y la agresividad que transmitía, así que pensamos: Vamos a llevarlo a un nivel extremo, ja, ja… Nuestro batería entonces era Furni (ex Avulsed) y siempre hemos sido fans de Avulsed, y en particular de la voz de Dave, así que le dijimos a Furni: “Llama al Rotten, tronco, y que haga que el tema reviente.” Y así lo hizo, no hay más que escuchar el resultado.

¿Por qué habéis decidido expresaros en inglés? K: -En un principio intentamos escribir en español, pero no conseguimos el resultado que esperábamos, y al cambiar las letras de esas mismas canciones y hacerlas en inglés, la diferencia fue abismal. No sé si es por costumbre o por qué, pero al igual que el español es el idioma perfecto para muchos otros estilos de música, en el caso del Metal el inglés es el que triunfa.

El 5 de marzo tocáis en Excalibur (Madrid). ¿Qué ofreceréis en este concierto?, ¿cómo sois en vivo? K: -En directo elevamos la agresividad y fuerza del disco en un 200%, por lo que la gente que venga que esté preparada para chocar con un muro de Metal de 5.000 kilos, ja, ja…

Sam: -Ofreceremos Metal en estado puro, mucha cera y, además, es la presentación en Madrid de ‘From nowhere to no one’. Fuerza, adrenalina, agresividad… Nadie saldrá desilusionado.

A: El concierto del 5 será el primero de una pregira de calentamiento antes de una gira por España, Francia, Bélgica y Holanda de la que se están cerrando fechas. Lo que se puede encontrar en un concierto de The Seed es simple: Metal, cerveza y un buen espectáculo.

Les damos libertad para decir lo que quieran como final y el resultado es: A: -Llega el nuevo disco de The Seed. Compradlo, descargároslo, robadlo, pero sobre todo disfrutadlo.

K: -A todos los que les guste el Metal agresivo sin compromiso y directo, escuchad a The Seed y venid a nuestros conciertos porque tenemos justo lo que necesitáis.

Sam: -Un chiste: Uno que va… Ja, ja…

myspace.com/theseedmusica

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Döxa

Víctor Fernández, ex teclista de Darksun, es el motor de este nuevo proyecto llamado DÖXA, que se estrena con el CD titulado ‘ONCE… AND FOR ALL’. Con él hablamos…

por Juan José Díez & Ángel Sánchez

¿Qué va a encontrar el público en este disco? -Metal. Sin complejos y sin prejuicios. Música ruidosa hecha con mucha pasión y cierta intención de decir algo y a la vez divertir.

Si tuvieras que vender vuestra causa, ¿cuál dirías que es la mejor cualidad? -Diría que nuestro punto fuerte es la honestidad. Hacemos lo que nos gusta, hablamos de lo que creemos importante y no estamos sometidos a presiones de ninguna discográfica ni de nadie. No hacemos concesiones a lo comercial, a las modas o al "qué dirán".

Tal y como está el mercado, no se pueden tener muchas expectativas. ¿Cuáles son las vuestras?, ¿os conformáis con no palmar pasta? -Yo lo firmaba ya. Con eso os lo digo todo. Nuestra ilusión era sacar esto adelante, hacer música con sinceridad, desde el corazón, y ofrecerla a la gente con la esperanza de que la disfrute tanto como nosotros. Y ya lo hemos hecho. En ese sentido, ya somos felices. Económicamente, seguro que palmamos pasta, y eso significará que el segundo disco llegará más tarde, o quizá no llegue nunca. Pero ¡qué se le va a hacer! La música es parte de nuestra vida y no podríamos dejar de hacer lo que hacemos.

Uno de los aspectos más positivos del disco es que es muy variado y versátil, toca muchos palos dentro del Metal. -Es cierto que es muy variado. Tanto, que sabemos que puede resultar chocante, pero no porque lo hayamos hecho así deliberadamente, sino porque así ha salido. Y como nos gustaba, así ha quedado. Si una canción nos parece buena, aunque no sea muy ortodoxa, no la vamos a quitar o retocar. Eso implica asumir el riesgo de que la gente nos diga: "Pero vosotros ¿de qué cojones vais?" Y nuestra respuesta es siempre la misma: "¡Y eso qué más da!, ¿mola o no?"

Intuimos que vuestras influencias también son muy eclécticas… -Somos un maremágnum de estilos y gustos. Hay peña de conservatorio con formación clásica, fanáticos del Metal extremo, folkies, punkarras, jazzers, heavies de toda la vida… y vete tú a saber. Y hacemos música. Imaginaos lo que puede llegar a salir de ahí.

La producción del disco es sorprendente, potentísima. Suena de lujo. -Eso es cosa de Dani G. –Darksun- y de sus Estudios Dynamita, en Asturias. Como es amigo mío, y además un monstruo del sonido, lo fichamos y de paso lo liamos para que cantara un poco y nos echara una mano. El resultado es el que podéis oír, y nos encanta. La gente lo escucha y piensa que somos una banda extranjera... fineses o suecos, o de por ahí. ¡Pues va a ser que no, ja, ja…!

En el resto de la conversación aparecieron temas como el contratiempo que supone que los miembros de Döxa estén repartidos entre Madrid, Asturias, Cataluña y Grecia, lo orgulloso que Víctor se siente de todas las colaboraciones que hay en el disco y lo complicado que le está resultando encontrar una formación estable con la que llevar la música a los escenarios. Os anima a los profesionales a contactar con ellos para tal fin.

doxametal.com

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DÖXA

Once… and for all

(Indep.)

Lo peor que puede ocurrirle a un disco de Metal es que se vuelva predecible y lineal. Esa idea tan clara debió estar en la mente de Döxa cuando crearon este ‘Once… and for all’, ya que se caracteriza por todo lo contrario: la versatilidad y el eclecticismo metalerometalera llena de originalidad con la que es imposible aburrirse. gobiernan un lanzamiento caracterizado por un sentimiento melódico enriquecido con constantes adornos, cambios de tercio y guiños a estilos muy diversos. Hay cortes vitalistas que podríamos denominar más Power, hay melancolía y oscuridad gótica con contraste de voces, y hay Metal pesado de aire más visceral. En definitiva, toda una amalgama

Juan José Díez

HIVERLAND

HIVERLAND nació en 2002 en San Sebastián, grabó inmediatamente un CD de siete temas (‘Wings in flames’), pero no es hasta el año pasado cuando consigue volver a registrar un disco completo: ‘THE RETURN’, un trabajo “semiconceptual” en palabras de su cantante Arkaitz Zayas.

por Marta M. Crisol

-Cuando el grupo pasó un momento de inactividad, empecé a trabajar en las letras y en aquel momento tan sólo expresé lo que sentía, y salieron cinco temas clave en torno a la historia del grupo, que se podría decir que forman parte de un mismo concepto: ‘Need for survive’, ‘The return’, ‘Never surrender’, ‘Riders of Metal’ y la grandiosa ‘Dark angel’. Hablan de la historia del grupo pero cada uno luego las podría llevar a su terreno e interpretarlas a su manera. Al fin y al cabo, no dejan
de ser vivencias personales que pueden coincidir con otro tipo de situaciones.

Por cierto, ¿cuál es tu disco conceptual (sin “semi”) favorito de la historia? –‘Seventh son of a seventh son’ de Iron Maiden. Sin lugar a dudas, marcó un antes y un después demostrando que
en la historia también había un lugar para el Metal. Un disco elaborado de principio a fin sin perder la esencia y el carácter del estilo.

Tantos años (de 2002 a 2009) hasta poder ver un elepé acabado. Es duro el mundo del Rock, ¿verdad? -Lo que es difícil es la convivencia y el respeto que hay que tener para poder llevar a cabo cualquier tipo de proyecto. En Hiverland siempre había faltado esa comunicación y antes, cada uno de los integrantes, tenía distintos objetivos; si los tenía. Ahora se goza de un ambiente muy bueno, hay respeto y estamos todos empujando hacia la misma dirección. Tenemos fe en que, el que se lo propone, tira para adelante como sea, aunque sea duro el mundo del Rock. Para algo somos heavies, ¿no?

Arkaitz me cuenta que van a grabar un videoclip… -Del tema ‘Million ways’. No ha sido difícil la elección ya que es uno de los más cortos del disco, y es importante no dar la brasa al espectador, ja, ja… Es el que mejor nos podría representar.

¿Podemos llamar entonces a este tema “el single” o te decantas por otro? -A finales del año 2008 sacamos un disco promocional en el cual metimos tres temas de ‘The return’. Entre ellos estaba ‘Need for survive’. Pensamos que era la mejor representación para un disco promocional de la banda, bien por su título -“Necesidad por sobrevivir”-, por su entrada tan enérgica y la combinación a lo largo del tema de cambios de ritmos y técnica. Anunciaba un futuro cambio. Esta sería mi elección.

Power Metal y Heavy de los ochenta. ¿Daría en el clavo alguien que definiese así vuestra música? -Nuestra música, por lo menos en este disco, es más Power que Heavy, pero sí que es cierto que conserva un toque de la vieja escuela en las composiciones de algunos temas. En las composiciones que estamos trabajando ahora se notará más un ligero cambio de estilo; queremos centrarnos en componer más temas a medio tiempo, sin que falte la velocidad, pero sin perder la contundencia de un sonido más crudo en las guitarras. Conservamos los estribillos pegadizos y los elaborados coros, a los que acompañarán un bajo contundente y una batería más rítmica y elaborada.

El 13 de marzo tocáis en la sala El Grito de Fuenlabrada. ¿Quién más está en el cartel? ¿Qué ofreceréis al que acuda?, ¿cómo es Hiverland en directo? -El cartel será: Atland, Hiverland y Azrael. Será el comienzo de la primera gira nacional de Hiverland. Estamos preparando un espectáculo muy clásico, intentamos cuidar mucho la estética en los directos para que vaya todo acorde con el show. Respecto a la música, nos preocupamos de ser fieles al disco aunque luego la magia del directo es la que te dicta cómo proceder en determinados momentos. Llevamos tiempo trabajando los temas para tocarlos en directo y eso se nota. Para todo el que vaya a vernos, tendremos camisetas y el disco en venta, y os estaremos esperando para ofrecer buen Heavy Metal.

¡Que no falte la anécdota en las entrevistas de LOS+MEJORES! -Habíamos empezado una actuación y, tras anunciar el próximo tema, empezamos a tocar, todo parecía ir bien, y cuando me acerqué el micro para empezar a cantar, no se escuchaba nada. Estuve unos segundos mirándolo de una forma extraña preguntándome si se le había acabado la pila… El tema seguía adelante, la pila estaba en perfecto estado y la gente se empezaba a mirar entre sí, miraba al técnico… Mientras, yo daba vueltas por el escenario buscando un micro de coros que funcionase y mostraba mi indignación de una forma graciosa ante el público hasta que encontré uno que funcionaba. Después del concierto nos contaron que una mujer se había tropezado y había arrancado varios cables de la mesa.

myspace.com/hiverland

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CRIPTA

Dos años han pasado desde el anterior disco de CRIPTA. Ahora vuelven con ‘ANTE MÍ’. Raúl (cantante y guitarrista) empieza contándonos qué ha sucedido en este tiempo.

por Salva Díaz & Mónica Berheide

-Bastantes cosas: Hicimos la gira del ‘Necesito estar en pie’, de unos 35 o 40 conciertos, colaboraciones, ensayos... y luego nos tiramos un año encerrados preparando este nuevo disco, sin dar ni un concierto ni nada, queríamos estar totalmente aislados y centrados en las nuevas composiciones, que no hubiera nada que nos distrajese.

Antes que el disco, habéis lanzado el videoclip del tema ‘Ante mí (W.D.)’. ¿Por qué lo habéis dedicado al desaparecido Paul Naschy -Es un homenaje a Paul mediante su personaje Waldemar Daninsky. Kike (batería) hizo este tema porque conocía muy bien a Paul y su obra, y nos pareció muy interesante hacer una letra distinta, que no tuviera nada que ver con el resto. Así que, cuando la trajo, nos gustó mucho, y más adelante vino la idea del videoclip. Kike habló con Paul y con Sergio -su hijo- y les pareció muy buena idea. Él nunca había participado en un videoclip y le apasionaba la iniciativa, así que empezamos a mover todos los hilos para la realización del mismo. Paul empezó a enfermar, pero tenía muchas ganas de que el vídeo saliera adelante, así que fuimos a su casa a grabar el audio de la última frase que aparece en el clip para que, más adelante, cuando se encontrara mejor, grabara sus escenas. Pero desgraciadamente no fue así y Paul falleció. El Ojo Mecánico tuvo que cambiar el guión y sustituyó las escenas donde él iba a actuar por imágenes de sus películas, excepto, como ya he dicho, el audio de la última frase, que desgraciadamente es el último trabajo que pudo hacer. Se lo hemos querido dedicar al gran Paul Naschy y a su familia. Las ganas que tenía Paul de colaborar con nosotros nos han llegado muy adentro. Gracias a este vídeo, Paul estará siempre muy presente en nuestros corazones.

Además del CD, incluís un DVD con cinco temas en directo más el videoclip mencionado… -Sí, los temas fueron grabados durante la actuación del festival Granito Rock. Sabíamos que era un festi con mucha repercusión, así que decidimos grabarlo, no para editar un directo como tal, sino para tener cinco o seis canciones de contenido extra en lo que fue una gran noche para nosotros.

¿Cómo definís actualmente el sonido de la banda? -No sé si se puede definir, nunca he sido muy de encasillar el sonido de los grupos, cada uno tiene que tener su propia personalidad... Jorge Escobedo, por ejemplo, dijo que sonaba muy guiri, Tony de Sangre Azul dijo que le sonaba a muy americano... Pero no sé, no buscamos nada en concreto, queríamos que sonara a Cripta, sin más. En las mezclas no hemos puesto ningún CD como referencia, teníamos muy claro cómo queríamos sonar y hemos trabajado todo el sonido de memoria. Hemos grabado con tres amplis de guitarra distintos, las voces en dos estudios, las guitarras en tres... Supongo que la mezcla de todo este mejunje ha consolidado el sonido del disco; además de que estábamos todos muy encima para que no se nos escapara ningún detalle.

Se observa una mayor presencia de melodías pero también de contundencia y caña… ¿Cómo surgieron estas nuevas composiciones? -Íbamos componiendo cosillas en casa y las íbamos enseñando al resto del grupo, pero sin ensayarlas en el local. Llevamos todo el material que teníamos cada uno por separado e íbamos retocando algunas cosillas, alguna letra… pero todo por separado. De hecho, hemos grabado primero el disco ¡y ahora es cuando estamos empezando a ensayarlas!

La conversación dio mucho más de sí pero nos falta espacio. Se tocaron las colaboraciones de Patricia Tapia en ‘Tan sólo una oportunidad’, “una canción sobre un amor imposible”, dice Raúl, y la del cantante Tony: -De pequeños éramos fans de Sangre Azul, así que me puse en contacto con él por mediación de Hermes Calabria y Juanjo Melero. Lo primero que nos dijo fue: "¿Qué cojones hace un grupo como Cripta llamando al cantante de Sangre Azul para que colabore? ¡Ya que no tenemos nada que ver ni en la música ni en las letras, me apunto!" Así que ha cantado como en sus mejores años en la canción ‘En la distancia’. También hubo alabanzas para los señores del estudio de grabación: Kosta, Manu Sánchez y Tony Moreno. Finalmente, Raúl nos recuerda: -Para los asiduos del YouTube, hemos creado un nuevo canal donde podéis ver todos los vídeos oficiales de cripta: youtube.com/criptatv.

criptanet.com

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RHESUS

El nuevo disco de RHESUS se titula ‘LA SANTA MUERTE’; David (guitarrista) y Berse (cantante) lo definen en pocas palabras así: “Agresivo, melódico y existencialista”…

por Juan José Díez & Fernando S. Pérez

Berse: -Es un disco, sobre todo, honesto, que refleja lo que la banda es en directo. Hemos trabajado mucho tanto la parte musical como las letras para que transmitiera todo lo que queríamos.

Comparándolo con ‘Espiral de dolor’ hay cambios evidentes; endurecéis vuestro sonido un poco, ¿no? David: -A todos los miembros de la banda nos encanta el Thrash, el Hardcore y el Death. Para este disco queríamos que eso se viera reflejado. También a nivel individual y colectivo hemos mejorado muchísimo con nuestros instrumentos.

¿Cómo está respondiendo el público a ‘La santa muerte’? B: -A la gente le está gustando más este disco y, lo que es más importante, a nosotros también.

¿Y cuáles son vuestras expectativas con el disco? D: -Bastante modestas: Tocar todo lo que se pueda, quizá soñar con participar en alguno de los festivales llamados “grandes”… En definitiva, que a la gente que nos escuche le guste, y poder llegar poco a poco a ser más conocidos.

¿Estáis totalmente satisfechos con el resultado? Ahora, con la perspectiva que da el tiempo, ¿cambiaríais algo por mínimo que fuera? B: -Estamos satisfechos a un 200%, no pensábamos que iba a sonar tan bien. Está claro que siempre puedes mejorar algo, detalles quizá, pero, en líneas generales, no cambiaríamos nada.

Ya habéis grabado dos discos. Tal y como está la industria musical, no está mal ¿no? D: -No ha sido duro. Somos conscientes de que hacemos Metal en un país donde es un género que, a pesar de contar con muchos seguidores, no es apoyado por los grandes medios ni las discográficas, así que sabemos que habrá que luchar por hacer llegar tu música a la gente y usar internet, el boca a boca o lo que sea.

De nuevo, de la masterización se encarga Mikka Jussila. ¿Qué aporta al sonido de la banda? B: -Sobre todo el acabado profesional de alguien que ha masterizado a un montón de bandas de Metal y que sabe exactamente cómo tiene que sonar un disco de tralla. Además, es un tío encantador que trata a las bandas con las que trabaja por igual, de un modo cercano y respetuoso. Es algo que con frecuencia se echa de menos en la escena ibérica, donde, si no eres un grupo de primera línea, normalmente pasan un poco de ti.

¿Cuál elegiríais como vuestro mejor y peor momento? D: -Nuestro peor momento, cuando perdimos la oportunidad de tocar con Sepultura por culpa de la negativa de nuestro ex batería, lo que supuso su salida fulminante de la banda. Y el mejor está por llegar, aunque momentos buenos ha habido muchísimos.

El Metal pesado donde mejor se desenvuelve es en directo. ¿Cómo es un concierto de Rhesus? B: -Pues es intenso y divertido. Mejor venid a vernos y lo comprobáis.

¿Tocaréis este nuevo trabajo por muchas ciudades? D: -De momento no nos podemos quejar, ya que van saliendo bastantes bolos. Tocaremos en varias localidades de La Mancha, Madrid –el próximo es el 26 de marzo en Getafe- y hay planes de ir a Salamanca, Valencia y otras ciudades.

¿Qué le pide la banda al futuro? B: -Un poco de reconocimiento por parte de los medios y la oportunidad de tocar todo lo posible.

Si tenéis algo que añadir para nuestros lectores… D: -Pues poco más, que escuchen el disco y, si les gusta, que lo compren. Y que se acerquen a vernos si vamos cerca de su ciudad, que seguro que se lo pasan bien.

myspace.com/rhesus6

600.781.806

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RHESUS

La santa muerte

(DFX/ Indep.)

Cuando un cierto aire pesimista y un espíritu misántropo gobiernan las letras de un disco, este irremediablemente acaba convirtiéndose en un ejercicio de Metal pesado regido por la oscuridad y los pasajes sombríos. Esto es precisamente lo que ocurre en el nuevo trabajo de los toledanos Rhesus, un plástico marcado por un endurecimiento en su sonido y una notable influencia sueca. Las menciones a grupos como In Flames, At The Gates o Dark Tranquility surgen solas, lo que creo que define muy a las claras el nuevo sonido de Rhesus.

Versatilidad compositiva, dinamismo a la hora de afrontar las melodías y energía en cada tema. Les sobra personalidad, sólo hay que pulirla un poco más.

Juan José Díez

WURDALAK

WURDALAK llega de nuevo desde Valencia para presentar en Madrid (sala Silikona) el 20 de marzo su último disco ‘LO QUE MUEVE EL MUNDO’. De este modo nos presenta Sergio “Chivi” Bosquet (guitarrista) el disco:

por Fran Llorente & Mónica Berheide

-Es una obra conceptual, pero sin una línea narrativa, en la que tratamos de poner de manifiesto aquellas motivaciones y sentimientos del ser humano que constituyen las fuerzas motrices del mundo. Por un lado, sentimientos como la amistad, el amor, la ilusión, la esperanza... y por otro, los miedos y miserias del hombre, que frenan o entorpecen ese movimiento de nuestro mundo o que lo desvían hacia tortuosos caminos movidos por oscuros intereses, como son el miedo, la violencia, el ansia de poder, la sinrazón... ‘Cannae’, tema instrumental situado en el ecuador del disco, simboliza la lucha entre ambas concepciones del mundo.

Entonces, para ti, ¿qué es lo que mueve el mundo?, ¿nuestras motivaciones y sentimientos?, ¿el amor o el dinero?, ¿las religiones, quizás? -Cuando nacemos hay una serie de aspectos -genéticos, educacionales, sociales- que hacen que vayamos adquiriendo unos valores con los cuales formamos nuestra personalidad. De modo que cada persona hace girar su mundo en torno a aquellos valores que le hacen sentirse en el camino correcto para la consecución de la felicidad. Efectivamente, esos caminos pueden tener su hilo conductor en el dinero, el amor, las religiones… pero al final es cada persona quien libremente o no elige qué es lo que mueve su mundo. ¿Qué mueve vuestro mundo?

-Mejor lo dejamos para otro momento, que nos quedamos sin espacio, je, je…

Uno de los temas del CD es ‘Un nuevo despertar’. ¿Qué “nuevo despertar” os gustaría encontraros en este siglo XXI? -Vivimos en un mundo demasiado individual, la gente sólo está pendiente de lo suyo sin tener en cuenta el perjuicio que sus actos pueden ocasionar al prójimo. ¿Por qué no un nuevo despertar en el que podamos tener un sentimiento de unidad, dejar el orgullo a un lado y luchar por un bien común en el que no exista competición, sólo seres humanos viviendo de forma armónica y sostenible?

“Somos distintos, nuestros mundos están a años luz, separados por muros que alimentan el rencor”, bonita observación en una de vuestras letras. ¿A quién va referida? -Tendemos a crear muros dentro de nosotros mismos, construidos por ladrillos hechos de nuestros miedos e inseguridades que afloran en nuestras relaciones personales con los demás. Si un grupo o una sociedad comparten esos miedos e inseguridades, acaban por desembocar en los conflictos que asolan este mundo. Así que esta letra denuncia desde las relaciones personales hasta las relaciones entre distintas civilizaciones y culturas.

Parece que habéis evolucionado desde el Power Metal de ‘La llamada’ (primer disco) a un Rock más sofisticado y elegante, ¿con ciertos toques Emo? ¿Cómo ha sido ese camino? –Lo primero: Espero que no sonemos a Emo. La evolución se ha llevado a cabo de una forma lógica. Anteriormente estábamos muy influenciados por el sonido Power y su temática, estilo del cual seguimos disfrutando como entonces. De hecho, tuvimos la oportunidad de asistir al reciente concierto en Madrid de Gamma Ray y nos lo pasamos a tope. Del Power seguimos guardando cierta esencia en determinados temas. No obstante, el Rock en su inmensidad de horizontes nos presenta otros sonidos con los cuales nos identificamos y que, de una manera inconsciente, sale a relucir en nuestras composiciones.

¿Cómo definirías entonces, en pocas palabras, el actual estilo de Wurdalak? -Nos gusta decir que tocamos Heavy Metal, simple y llanamente. Ni hemos inventado nada nuevo ni queremos ponernos una etiqueta jamás antes escuchada. Como Rubén, el batería, comentó en otra entrevista, Wurdalak, como grupo, se define con tres palabras: Energía, amistad y utopía.

¿Qué evolución sonora presenta este álbum con respecto al anterior, ‘Desde el silencio’? -En ‘Lo que mueve el mundo’ encontramos mayor variedad que en el anterior. Hay un mayor trabajo en cuanto a la temática y letras, pero sobre todo mayor madurez. Es el primer disco en el que repetimos formación y eso nos hace estar aún más compenetrados. También hay una mejor producción, suena más potente y equilibrado que ‘Desde el silencio’.

Presentáis el nuevo disco en Madrid el 20 de marzo. ¿Qué le llegará al público que acuda? -Van a ver a un grupo compacto que disfruta tocando Heavy Metal y que trata de ofrecer lo mejor de sí mismo haya diez, cien o mil personas. Así que, si queréis disfrutar de buena música y buen rollo, acudid a la llamada del Metal: ¡Wurdalak!... ¡Ah!, y que no se me olvide: Gracias por vuestro apoyo y larga vida al R´n´R.

myspace.com/wurdalakheavymetal

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WURDALAK

Lo que mueve el mundo

(Prod. Malditas/ Indep.)

El sexteto valenciano recorre con energía y buen hacer (con la regla clásica de las tres “P”: paciencia, prestancia y perseverancia, como estandarte) el largo camino a lo más alto en este camino de piedras, en esta senda árida, en esta Intifada yerma, con el muro siempre ahí, ese criminal bloque de intereses económicos, políticos y mediáticos que no permite que fluya la buena música y el arte en general, en esta larga travesía del desierto (pese a la cantidad de bandas –inasequibles al desaliento- dejándose la piel en ello) que es el Rock’n’Roll actualmente. Evolucionando desde el Power-Metal épico de su debut discográfico, facturan ahora un tercer disco con la madurez de lo aprendido en el camino, un trabajo muy elaborado e interesante, sumando una excelente labor en cuanto a composición, arreglos, voz, guitarras y teclados se refiere. Con cierto toque romántico, se adentran por la senda de las hadas del bosque, intentando descifrar lo que mueve el mundo: el dinero o el amor, la ambición o el poder, la pasión, la lucha: “Gritarás. Que esta es la verdad, que no hay camino en vano. Y luchar para despertar, perdiendo el miedo al llanto. Descansar, para recordar que todo está en tus manos…” Si el mundo de la música no estuviera al revés, si las cosas funcionaran al derecho, ‘Lo que mueve el mundo’ optaría a disco del año o por lo menos a plástico revelación. Pero estos tiempos oscuros siguen su propia dinámica, como denuncia Miguel Ríos: “Corren tiempos perros, duros de roer.” Sin duda, “Saramago lo cuenta mejor…” Nos siguen pegando abajo. ¿Qué será lo que mueve el mundo? Juzguen ustedes mismos.

Fran Llorente

A Palo Seko

The Beatles tuvo su álbum blanco; Metallica su redondo negro. A PALO SEKO, aparte de más originalidad y gracia que nadie en este país, pone en tus manos ‘EL DISKO ROJO’. Llega uno de los momentos más esperados: la conversación con su batería, Mimi.

por Salva Díaz y Jon Marin

Habéis batido un récord al tocar en la misma noche seis veces. ¿Cómo se os quedó el cuerpo? –Cansado. Pero muy, muy, muy satisfechos de la hazaña conseguida. Dar seis conciertos, en el mismo día, consecutivos y en seis salas distintas es una experiencia acojonante, sobre todo por la respuesta que tuvo la gente con nosotros.

Vamos con ‘El disko rojo’: ¿Es este uno de vuestros trabajos más pesados (Heavy, nos referimos), quizás el más técnico…? Nos parece que es realmente atronador, pero al mismo tiempo limpio. –Estáis muy bien encaminados, como el disco; sabíamos lo que queríamos. No teníamos muy claro hasta dónde podían llegar estas canciones, pero ahí llegó Kosta Vázquez, el productor, y se puso a currar con nosotros tema a tema, instrumento a instrumento, exprimiéndonos a tope y aportando mogollón de su cosecha. Y, a la hora del sonido, el tema de cambiar la afinación nos ha dado una contundencia que hasta ahora nos faltaba. Sin duda, es una evolución del sonido de A Palo Seko… dentro de A Palo Seko.

Por tanto, ¿será ‘El disko rojo’ un antes y después en la carrera del grupo? –No creo, porque ya en el ‘Live after dis… co homenaje’ apuntábamos hacia dónde queríamos llevar el sonido, y, bueno sí, éste es el primer disco de ese sonido. Pero es evidente que el sentimiento de caña es inherente a nosotros y nos gusta decir las cosas tal como llevamos años diciéndolas

Entrando en canciones concretas, háblanos de ‘La versión oficial’. –Como todos sabemos, la realidad y las cosas que nos cuentan habitualmente son distintas, incluso opuestas. Los generadores de noticias, habitualmente políticas y económicas, con el apoyo de muchos periodistas, manipulan los hechos con el afán de engañarnos para provocar reacciones de la población borrega que les beneficien en sus propios intereses. Los telediarios, las noticias de la radio, los periódicos de información general -y también por internet- lanzan noticias sesgadas y mentiras a diario que la gente se traga como heroína se pinchan los yonquis.

Entre nuestros temas favoritos están ‘Patria’ y ‘El primo de Rajoy’… -En ‘Patria’, la voz de la intro nos la puso Juanito Sangre, de Def Con Dos. Está dedicada a todos esos patéticos sin personalidad que necesitan estar englobados y clasificados en un paquete de algo para sentir que su triste mierda de vida vale algo. Pensar que la patria te da algo que tu personalidad no tiene, es absurdo y demuestra muy poca autoestima; yo no soy mejor ni peor por haber nacido en España, Angola, EE. UU. o en Australia, y pensar que por haber nacido aquí o allí, ese lugar se convierte en el mejor del universo… ejem, ejem… ¡hay que ser imbécil! La canción ‘El primo de Rajoy’ nos la puso a huevo él diciendo públicamente la genialidad que le contó su primo el científico. ¿Quién fue el primo?, ¿el iluminado de su familia o el pobre Mariano por contarlo a los cuatro vientos? El cambio climático es un hecho aquí y en los polos; no es ni de derechas ni de izquierdas, es de la humanidad entera, y es la herencia que dejamos a los que tendrán que vivir en este planeta en años venideros.

De entre todos los que incluye el nuevo disco, ¿cuáles crees que pasarán a formar parte de vuestro repertorio tradicional? –‘Fraternización en el frente, 1914’, que cuenta un hecho histórico ocurrido durante la Primera Guerra Mundial; ‘Maquis guerrilleros’ por sentimiento y respeto, y otras que iremos alternando, ya que queremos tocarlas todas, aunque no a la vez, para que en cada concierto podamos tocar canciones de todas las épocas del grupo. Con once discos a la espalda, la selección tiene que ser variada.

Es de sobra conocido que A Palo Seko no tiene piedad con nada ni con nadie, y sus letras así lo reflejan. ¿Esto ha ayudado a la banda a la hora de promocionarse o más bien ha sido un problema? –Sí, ha sido un problema, pero lo asumimos. Cuando éstos vienen, seguimos palante con lo que la conciencia nos dicta. Somos conscientes de no ser un grupo de “ver, oír y callar”. Igualmente, cuando nos equivocamos, somos capaces de reconocerlo y rectificar si fuera necesario. Ni pretendemos, ni tenemos la verdad absoluta; solamente es nuestra opinión y es discutible.

Sin duda, es la entrevista de la historia de esta revista en la que hemos encontrado a Mimi más serio, concienciado y recto. Tanto que, al hacerle la última cuestión (“Añade cualquier cosa que consideres interesante o importante”), esta fue su respuesta: -El mito de la caverna, de Platón, me parece muy interesante. ¿Qué es la realidad?

Nosotros, por si acaso, nos descojonamos de risa al final.

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A PALO SEKO

El disko rojo

(Warner)

Entre guiños a las guerras del siglo pasado, a la lucha obrera, social y personal transcurre este fenomenal trabajo de la banda de Alcalá de Henares en cuanto a letras se refiere. Una vez más, el sello inconfundible de los inventores de la “caña burra del Henares” está presente en todo el trabajo. Un disparo directo a tu cabeza que te reventará los sesos brutalmente con unos riffs realmente asesinos y aniquiladores, y bases rítmicas aplastantes y trituradoras; en definitiva: caña como ellos sólo saben vomitar. Ofrecen esta vez una gran bocanada de sonido limpio y puro. Para muchos, su mejor obra: fuerte, contundente, técnica y directa, más metálica para los que gustaran de su sonido old. Lo cierto es que el sonido es atronador, una auténtica maravilla. Como añadidos, versión del ‘Killed by death’ (Motörhead) muy personalizada, y letras y ritmos trepidantes y cambiantes en muchos de los cortes. Energía, pasión, rabia y crudeza son las cartas predominantes en todo el álbum.

Salva Díaz

Niño Mandarina

NIÑO MANDARINA es uno de esos grupos que enganchan. Con ‘Comerte a bocados’ se presentaron en sociedad y, ahora, con ‘JULIEMBRE’, se postulan como gran alternativa. Hablamos con ellos para que nos comenten de primera mano sus impresiones.

por Marco Vara

Acabáis de publicar ‘Juliembre’. ¿Qué diferencias y similitudes podemos encontrar respecto a vuestro anterior trabajo? Ritxi: -Creemos que la principal diferencia es el salto cualitativo que hemos realizado en la preproducción y posterior grabación y mezcla del disco. Estuvimos preparándolo muchos meses antes de entrar al estudio, junto a la fuente de sabiduría de Tony López y Marisa Martín para que no quedase ningún cabo suelto. Respecto a similitudes con ‘Comerte a bocados’, creo que sigue estando presente la variedad de estilos que nos gusta hacer desde que empezamos.

¿De dónde viene el nombre del grupo? ¿Podríais explicarnos qué significa ‘Juliembre’? Peter: -Empezamos a ensayar y a componer los primeros temas y no teníamos nombre. Corría el mes de noviembre de 2005 y, como algunos sabréis, es la época de las mandarinas. A cada ensayo, Ritxi (batería) siempre venía con un cargamento de mandarinas que se comía con total tranquilidad durante el mismo, y nosotros nos mirábamos y decíamos: “Ya está el niño de las mandarinas”; y de ahí nos quedamos con el nombrecito, je, je… Y “juliembre” es un espacio de tiempo donde sólo ocurren cosas que molan, donde no hay tristezas, no hay que madrugar, no existen los lunes. Digamos que es un mundo ideal donde a cada uno le puede ocurrir lo que siempre ha deseado, ¡y es “juliembre”!

Ya en vuestro primer trabajo contasteis con colaboraciones de renombre, pero en éste os habéis superado: Pulpul (Ska-P), Carlos Raya (Fito & Fitipaldis), Javi Pedreira... ¡incluso nos sorprendéis con Amaia Montero! ¿Cómo surgen estas colaboraciones? ¿Qué aportan al trabajo? Isma: -Las colaboraciones surgen de diversas maneras, algunas por contactos y trabajo con ellos y otras por colegueo. Aportan muchísima ilusión; es gente que siempre has oído y crecido con ellos, y que un día lleguen y quieran colaborar en tu disco pues es una auténtica pasada. El hecho de que estén cantando o tocando las canciones que hemos compuesto, es una cosa que no se puede pagar ni con todo el oro del mundo y, encima, lo mejor es cuando se ilusionan de la misma manera que nosotros con el proyecto.

Me gustaría que destacaseis un par de canciones del disco. P: -Es un poco difícil destacar dos únicamente, ya que todas tienen algo especial tras ellas; pero, puestos a elegir, ‘Juliembre’ por el mensaje optimista de la canción, por ser la que da nombre al disco y por contar con la colaboración del grandísimo Pulpul. La segunda sería ‘100 premios’, que es muy especial por dos aspectos: está escrita y dedicada a nuestros queridos productores “los churros”, Tony López y Marisa Martín, y cuenta con la colaboración de una gran artista internacional como es Amaia Montero, que, muy a pesar de lo que pueda pensar mucha gente, hemos de romper lanzas a su favor por la humildad que nos ha demostrado y la ayuda que está dispuesta a ofrecer.

¿Qué proyectos tiene la banda a corto y medio plazo? I: -Lo mismo que contesta el 99,9% de las bandas que intentan abrirse camino en este fangoso mundo del Rock: tocar, tocar y tocar, y conseguir hacer sonar nuestro nombre en el mayor número de cabezas posibles.

¿Hay algo que queráis decir y no os haya preguntado? R: -Dar las gracias a los lectores por habernos dedicado unos minutejos en leer esta entrevista y animaros a dejaros contagiar por el “mundo mandarino” por lo menos por una vez, que os podemos casi asegurar que terminaréis con adicción a los cítricos. Por último, si queréis, pasaos por vallekasshop.com para conseguir nuestro disco.

ninomandarina.es

667.531.574

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NIÑO MANDARINA

Juliembre

(Indep.)

Niño Mandarina vuelve con más fuerza que nunca con ‘Juliembre’, una colección de once canciones cargadas de vitamina rockera. Lo mejor es el equilibrado resultado final, donde el Rock más tradicional soporta la mayor parte del peso del disco. Así, canciones como ‘Yo no sé Rock&Roll’, ‘Boca2’ (donde colabora Javi Pedreira) o ‘Fallo en mi central’ hacen de sólido hormigón donde cimentar el resto de temas. Llama la atención la casi psicotrópica ‘Te esperaré en la ciudad’, donde Carlos Raya presta su buen hacer con las seis cuerdas y que puede llegar a recordar a algún tema de The Doors. Otras dos perlas son ‘Anoche tuve un sueño’ y ‘100 premios’, donde Amaia Montero ha grabado algunas estrofas. Ambas son más pausadas y sentidas, casi baladas, donde los teclados que les acompañan imprimen bastante personalidad. Y siempre dejan un hueco para el Ska más clásico, que poco tiene que envidiar al de los grandes del género. Buena muestra puede ser ‘Hombre Rock’ o que Pulpul (Ska-P) se pasase a colaborar en ‘Juliembre’, tema homónimo al disco y puede que uno de los más representativos del redondo. Este trío madrileño está preparado para pegarle un bocao a la escena musical. Apuntan alto, hacen canciones variadas y de calidad, y todo esto sin dejar de transmitir ese buen rollo que les caracteriza. Un consejo: Dadles una oportunidad porque no abundan los grupos que reúnan todas estas características.

Marco Vara

Insolenzia

¿Quieres disfrutar de una auténtica obra de arte? Pierde el miedo y acércate con decisión a ‘LA BOCA DEL VOLCÁN’, un disco y libro con los que INSOLENZIA se embarca en un proyecto ambicioso y tentador. Déjate embaucar, en principio, con lo que nos cuenta Daniel Sancet (cantante y autor).

por Marco Vara y Jon Marin

‘La boca del volcán’ es un disco que viene acompañado de una novela. Es la primera parte de una trilogía llamada ‘Celesto y la luna’, pues en 2011 y 2012, sucesivamente, Insolenzia promete publicar otros dos elepés acompañados de sus respectivos libros. ¿Una locura, Daniel? -Se trata de una locura bien conducida. Es una forma de ofrecer al público un producto diferente, poco común en el mercado, huir del disco convencional e intentar dar algo más. Nuestra idea es unir definitivamente la literatura y el Rock pero hacerlo de forma cercana, con una literatura generacional con la que muchos se sentirán identificados. La trilogía la conformarán tres libros-discos que llevarán por título ‘La boca del volcán’, que ahora estamos promocionando, ‘Me quema el sabor de tus ojos’ y ‘El horizonte es de cuero’. Entre obra y obra transcurrirá aproximadamente un año. Es un proyecto complejo, costoso y ambicioso, pero es algo que nos gusta, creemos en ello y vamos a poner todo de nuestra parte para que llegue a la gente. Espero que no nos quedemos por el camino.

¿Serán tres novelas distintas o tres volúmenes de la misma? -Es una obra conjunta, con una historia central y unos personajes comunes.
Olvidando los libros por un momento, tres discos en tres años con sus respectivas giras, etc. parece mucho trabajo. ¿Cómo lo estáis planificando? -Esto es de locos. La planificación la vamos a basar en el trabajo diario. Si no es así, sería imposible. Vamos a tocar los fines de semana y continuar la creación de la obra durante el tiempo que nos quede… Aunque, ahora que ha salido el disco y la novela, me apetece descansar un poco. Tenemos dos temas casi terminados para el próximo CD y la novela me pondré a escribirla en junio o julio, aunque tengo las ideas muy claras y está todo muy avanzado. Lo malo no es llevar esto, lo malo es compaginarlo con los curros, los estudios, con la cruda realidad. ¡Esto es el Rocanrol!
De momento tenemos a nuestro alcance la primera parte de la trilogía, ‘La boca del volcán’, que cuenta con una presentación inmejorable. Cuenta tú a los lectores qué incluye el disco. –Las canciones están totalmente relacionadas con la historia del libro. Cada una se corresponde con un capítulo. Son dos formas narrativas que se complementan para conseguir una globalidad mucho más rica. Es como un libro ilustrado en el que lo que no te dice el texto, te lo dicen las ilustraciones, y viceversa. En este caso pasaría lo mismo con las canciones y la novela.
Musicalmente, las diferencias con vuestro anterior redondo (‘Lluvia y sol’) parecen claras… -Sí, las diferencias son evidentes. Sabemos mejor hacia dónde nos dirigimos musicalmente. Ahora todas las composiciones parten de nosotros, con pleno conocimiento de nuestros gustos y de nuestras limitaciones. Las similitudes están en las letras, aunque creo que también se ha avanzado en ese aspecto.
Además, contáis con las colaboraciones de El Drogas (Barricada) y Kutxi Romero (Marea). ¿Cómo surgen? ¿Cómo ha sido trabajar con ellos? -Surgen desde la amistad. Con ambos mantengo una relación fluida en la que compartimos muchas aficiones. Es increíble poder subirme a Pamplona en cualquier momento y compartir mi tiempo con gente a la que siempre he admirado; y lo más sorprendente es que, ahora que los conozco como personas, todavía les admiro en mayor medida. Trabajar con ellos es lo mejor que nos ha podido pasar. Lo digo de corazón.
¿Y qué ha aportado Luter como productor? -Todo, lo ha aportado todo; se ha vaciado a todos los niveles y se ha convertido en uno más “en la Insolenzia”. Esta obra es tan suya como nuestra y ha estado presente en todo momento, desde que nacieron las canciones sólo con guitarra y voz hasta que hemos tenido el disco. Han sido meses de trabajo.

En nuestro programa de radio estamos poniendo, más que otras, las canciones ‘Mi silencio’ y ‘La boca del volcán’, pues (y no preguntes la fuente) alguien nos dijo que eran especiales para ti. -Cada uno tendrá sus preferencias pero yo me decanto por ellas porque ambas muestran las dos caras de Insolenzia, las dos voces. En ‘Mi silencio’ la voz principal es la mía y el tema ‘La boca…’ se lo canta entero Isabel (cantante también y guitarrista). Los dos son temas muy rockeros, directos y que enganchan. Esa creo que es nuestra esencia.
Cuando hacemos esta entrevista estáis a punto de comenzar la gira. ¿Qué encontrará la gente que se acerque a vuestros conciertos? ¿Más poesía que Rock, más Rock que poesía? -Mucha caña, de verdad, en directo sonamos más potentes, más crudos; eso es lo que hay en los conciertos. La poesía está presente en las letras, pero lo importante es el Rocanrol, el espectáculo.
Llega una de las preguntas clásicas de la revista: ¿Hay alguna anécdota graciosa que puedas compartir con nuestros lectores? -Anécdotas siempre surgen… Creo que con este disco el frío es nuestro fiel compañero. Quedamos para hacernos la sesión de fotos y los termómetros deciden ponerse bajo cero, grabamos el videoclip e Isabel casi no puede llegar porque se queda atrapada en la carretera por la nieve, tenemos que pegar carteles y graniza, arrancamos la gira en Zaragoza y llueve, al día siguiente en Barcelona nos nieva… ¡Vamos, que la climatología y nosotros no nos llevamos bien!
Antes de terminar, recuerda dónde podemos comprar ‘La boca del volcán’. -En todos los centros comerciales y tiendas de discos debería estar. Si no está, pedidlo, que os lo tienen que llevar. Y si no, compradlo a través de nuestra web, que os lo mandaremos sin cobraros gastos de envío y nos quedará más margen de beneficio a nosotros.

Se tapa la boca, baja la voz y añade: -Que no nos oiga la distribuidora.

Tras las risas, nos dice que siempre es un placer compartir palabras con nosotros (es mutuo) y sale un litigio con nuestro “dire” que viene de hace años. Dani grita: -¡Ah, y Ámbar es la mejor cerveza del mundo!

A lo que Jon contesta: -¡Y una leche, que viva Mahou y el padre que la parió! (Que era chino, ¿no?)

insolencia.es

626.799.035